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The Temperance Movement, à écouter sans modération !

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En sept ans et trois albums, les britanniques de The Temperance Movement ont accroché avec leur rock si personnel la fidélité de milliers de fans en Europe mais également aux Etats-Unis où ils ont eu la chance d’ouvrir pour les Rolling Stones. Une mise en lumière accrue qui n’a pas réussi à donner la grosse tête à un groupe qui a traversé des tempêtes et su garder le cap en conservant l’honnêteté pour figure de proue. Rencontre.

Quand le tourbus s’est garé près de la Loire, à quelques mètres du Ferrailleur où ils joueraient le soir même, les cinq musiciens n’ont jeté qu’ un regard ensommeillé sur les quais nantais. Le concert de la veille au Rocher de Palmer, à Cenon, dans la banlieue bordelaise, était encore dans les mémoires. Une jolie date au milieu de ce nouveau mais court périple français entamé à Paris, au Trabendo le 31 mars. « On tourne beaucoup, certaines années on a même donné jusqu’à deux cents concerts alors forcément, la bus est un peu notre seconde maison. Et il n’est pas toujours facile de bien visualiser les salles, les villes, où nous nous arrêtons. Parfois, on trouve le temps de s’éloigner un tout petit peu pour voir les abords et visiter. Parfois pas! Mais ce n’est pas dramatique, c’est notre job et on aime ça, » commente Paul Sayer, l’un des deux guitaristes, membre historique et fondateur de The Temperance Movement.

Dix ans déjà que l’idée de former un groupe s’est imposée, envie partagée par Phil Campbell, le chanteur et Luke Potashnick, autre guitariste. Mais il a fallu attendre 2011 pour que les choses se concrétisent, le temps de trouver un batteur et un bassiste, « une formation très classique au final ». Dès le premier EP en 2012, The Tempérance Movement interpelle. Dans un monde qui aime poser les étiquettes et ranger dans des cases, difficile de positionner clairement ces britanniques mêlant aussi efficacement des sons des années soixante et soixante dix mais qui aimaient aussi manifestement Nirvana, les Stones ou Soundgarden. Des enfants du siècle qui n’auraient pas eu le complexe de leurs ainés et leur rendraient même de magnifiques hommages en quelque sorte.

« On se nourrit de rencontres, de ce que chacun écoute. Nous avons des influences multiples mais des envies communes… ce qui est quand même plus simple», poursuit en riant Nick Fyffe, le bassiste. Un melting pot musical qui séduit d’emblée : en novembre 2013, The Temperance Movement décroche le prix du « Meilleur nouveau groupe de l’année » de Classic Rock Magazine.

Le karma continuant alors à être particulièrement bon, le hasard met une de leurs lointaines connaissances sur la route d’une conversation dans laquelle il est dit que les Stones cherchaient des premières parties pour leur tournée européenne. N’écoutant que son culot et son envie, la jeune femme a alors donné leur nom! Comme ça, tout bêtement. Mick Jagger a écouté et aimé. Ainsi va parfois la vie d’un groupe encore moyennement connu qui se retrouve soudain propulsé pour une poignée de dates devant des auditoires XXL, sur la même affiche que l’un des groupes phares de la musique mondiale depuis plus de cinquante ans.

« C’est cool, non ? » s’amuse Paul Sayer. « Ce n’était vraiment pas un truc de label ou de management, un truc pensé et calculé par je ne sais quel financier. C’était juste un truc tout simple, le bon moment d’une personne qui n’aurait jamais du être là quand une conversation a eu lieu et qui a l’audace tranquille de ceux qui ne risquent rien au fond. Et ça a été énorme, »

« Aucun facteur de stress dans cette histoire mais une incroyable envie, une excitation totale à l’ idée de jouer ces soirs là dans ce contexte de fou » surenchérit Nick Fyffe. « Comment ne pas kiffer ce truc là? Je crois que tous les musiciens à notre place auraient pensé de la sorte. Et l’histoire s’est renouvelée quand les Stones nous ont embarqué pour cinq dates de leur tournée américaine l’an dernier. On a aussi ouvert pour les Insus en France sur quelques dates et ça a été là encore un plaisir énorme. »

Mais la vie d’un groupe n’est pas toujours linéaire et en 2016, alors que sort « White Bear », le deuxième album, Luke Poshnik décide de quitter le navire pour vivre de nouveaux horizons. En Novembre de cette même année, le batteur laisse également sa place et est remplacé par Simon Lea. Des tourments organisationnels et forcément humains quand c’est l’un des piliers historiques qui part et qu’en quelques mois, près de la moitié de la formation aura été changée. De nouvelles habitudes doivent se créer, une autre complicité doit rapidement exister.

En parallèle, Phil Campbell le chanteur, est rattrapé par ses liaisons dangereuses avec l’alcool et la drogue. Il ne se voit pas monter sur scène sans ses béquilles artificielles, persuadé de ne pouvoir être bon sans ses dangereuses compagnes.

Il faudra du temps pour revenir à la surface d’une eau plus claire mais le résultat est bluffant. Sorti en février, « A deeper Cut », le nouvel opus, est ce que le groupe a livré de plus abouti et profond. D’une transparence et d’une honnêteté totales. « Nous avons lutté, nous avons souffert mais nous avons vécu. Et comme le dit l’adage, « ce qui ne tue pas rend plus fort », observe avec philosophie Paul Sayer.

En fait, je ne sais pas si nous sommes plus forts mais ces tumultes partagés ont grossi notre vécu. Nous avons souffert et partagé ensemble. C’est ensemble que nous y sommes arrivés et c’est encore ensemble, survivants de tout cela, que nous avons désormais l’immense plaisir de défendre ce disque sur scène. Il est une fois de plus la réunion de toutes nos influences, il est cathartique, plein de force, moderne et bien sûr la réunion de pas mal d’émotions.

J’espère que le public le reçoit comme un album extrêmement honnête et vrai car nous ne prétendrons jamais être ce que nous ne sommes pas. On pourrait embellir l’histoire à coups de pseudos vérités sur les réseaux sociaux. On sait comment ça marche. Mais on préfère aller chercher le public en faisant ce que nous aimons le plus, jouer sur scène et voir dans le regard des gens l’effet de nos morceaux. En Grande Bretagne, nous avons l’habitude des salles de plus de deux milles personnes. C’est bien sûr plus restreint en France mais ce n’est pas grave. Cela permet d’autres échanges, une autre manière d’aborder l’histoire de The Temperance Movement. Et on ne va pas bouder notre plaisir car le public français est fidèle. Et surtout, de plus en plus nombreux. »

Preuve en était donnée ce lundi soir à Nantes où le Ferrailleur faisait salle aussi comble qu’enthousiaste. Sur scène, Phil Campbell a donné le ton d’emblée avec cette énergie et ce timbre si reconnaissables. Le chanteur aime ces moments et ça se voit. Généreux, souriant, leader d’un groupe dont la complicité est manifeste, il ne lâchera rien jusqu’au bout d’une set list de plus d’une quinzaine de morceaux qui a su mêler succès et titres moins connus, où l’on retrouve évidemment « Caught in the Middle », « White Bear », « Three Bullets », « A deeper Cut » mais aussi, entre autres, «Be Lucky» ou « Love and Devotion ». Le public en redemande et n’entend pas les laisser partir. Les britanniques reviendront alors pour deux chansons. Sur les bords de Loire ce soir là, certains spectateurs avaient déjà noté que The Temperance Movement serait de retour en France à Musilac en Juillet…

Magali MICHEL.

Crédit Photos // Sophie BRANDET.

PORTRAIT: Fred Duquesne, la passion à son pour son !

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Ce 16 février, il franchira encore une case le rapprochant de la cinquantaine mais il n’a sans doute jamais été aussi fringant et débordant de projets. Après avoir bouclé la production de « Frankenstein », le nouvel album de No One is Innocent attendu le 30 Mars, il va devoir trouver du temps (et des idées) pour le neuvième opus de Mass Hysteria, très surveillé après l’incroyable succès de «Matière Noire». L’ enregistrement se passera une fois de plus dans son studio des hauteurs de Paris et devrait permettre une livraison à la fin de l’année. Omniprésent à chaque étape de création, Fred Duquesne devra aussi laisser des plages vacantes pour ceux qui souhaitent les conseils experts et le sens de la production affuté de cet ingénieur du son de formation qui n’a pas son pareil pour donner aux morceaux leur pleine dimension. Rencontre.

Il y a des personnalités complexes, étonnantes, qui mettent du temps à se découvrir et pourraient ne laisser qu’une impression superficielle, plus fugace encore que les volutes de leurs cigarettes. Fred Duquesne pourrait être de ceux là. A force de mixer les codes, d’avoir la dreadlock peroxydée et résistante, de twister le perfecto avec des tee shirts pour adeptes du skate, de jouer les blasés un peu revenus de tout, le sourire en coin et l’oeil qui frise, il laisse parfois son auditoire décontenancé… ce qui n’est pas pour déplaire à ce grand adorateur du faux semblant et du second degré. Il pourrait même réussir à passer pour dilettante alors qu’il n’y a pas plus bosseur, toujours un regard sur ses plannings à venir, n’ayant jamais assez de temps entre deux concerts pour enregistrer et produire les artistes qui tapent à la porte de son studio.

Car en une décennie, le guitariste qui a fait les beaux jours de Watcha, Empyr, Bukowski et donne  désormais toute la puissance de ses riffs à Mass Hysteria est devenu un producteur recherché. Aux commandes des albums de nombreux groupes de metal, de The Arrs à Frantic Machine, de Tagada Jones à Vegastar en passant, excusez du peu, par No One is Innocent et en faisant même un détour par Brigitte (ok, Brigitte ce n’est pas du metal mais ça a réussi au delà de tout), il lui revient une partie de leur succès. Si Ultra Vomit cartonne depuis un an avec « Panzer Surprise », ce n’est pas un hasard. Les titres du groupe de heavy metal parodique nantais étaient déjà en place mais Fred Duquesne a su leur donner une autre dimension, avec des guitares plus lourdes, des sons plus percutants offrant à leur troisième album studio une énergie nouvelle.

La casquette à double visière guitariste et ingénieur du son n’était pourtant pas un pari gagné d’avance dans un pays qui n’est pas toujours bienveillant avec le côté « pluridisciplinaire ». Mais Fred Duquesne ne s’est pas posé ce genre de question, il a juste su saisir les opportunités et aller où le vent de ses envies le portait. « J’ai suivi un parcours assez banal, un bac B suivi d’une école d’ingénieur du son en deux ans (où j’ai d’ailleurs rencontré celui qui deviendrait le chanteur de Watcha), tout en passant des heures à jouer de la guitare tout seul ou avec des potes mais sans suivre de cours car mes parents trouvaient que j’y consacrais bien trop de temps par rapport aux études, » se souvient il avec amusement. « Alors à quinze ans, j’ai dû apprendre la gratte sans sortir de leur garage dont on avait couvert les murs de boites d’oeufs, le plus ancien système D en matière de son. Avec le recul, je trouve que ce fut assez salutaire car ça éloigne des réflexes trop classiques et puis ça oblige à travailler davantage ce qui, au fond, est la clé de tout. »

« Quand Watcha a voulu sortir son premier album s’est naturellement posé le problème de l’enregistrement. Pour pleins de raisons, que je m’y colle a fini par s’imposer. J’ai réalisé des démos et elles ont plu. Patricia Bonnetaud, malheureusement décédée en février 2012, qui avait fondé le label Yelen Musiques (filiale de Sony) nous a signé (comme elle a signé ensuite Mass Hysteria et beaucoup d’autres). Elle était passionnée et incroyablement dévouée pour « ses » artistes , elle leur mettait discrètement à disposition durant le week-end, les studios de Sony Music. Assez incroyable ! Mais mes premières armes dans le monde du son, c’est avec le Rock Press Club de Philippe Manoeuvre, une émission diffusée sur Canal Jimmy, que je les ai faites.

J’y ai croisé la route de pas mal de gens que j’admirais. J’ai aussi appris des tas de choses, aussi bien sur la nature humaine que d’un point de vue purement technique. Les gens ne sont pas toujours ceux que l’on croit… Mais l’expérience avait été assez forte pour me convaincre que mon avenir passerait par là avec dans l’idéal, un studio pour l’essentiel et un groupe en parallèle, pour sortir de ma zone de confort et continuer à tutoyer mon autre passion.»

L’histoire a prouvé que cette double ambition avait fait carton plein. Aux manettes des albums de Mass Hysteria depuis plus de dix ans (alors qu’il n’a accepté de rejoindre le groupe en tant que deuxième guitariste qu’à l’été 2015, après le départ de Nicolas Sarrouy), il mixe, réalise, produit et offre ses pistes et ses conseils grâce à une maîtrise sans fausse note de son emploi du temps.

En période de tournée, c’est réveil ultra matinal et longues journées au studio du lundi au jeudi. Puis du vendredi au dimanche, la route des concerts avec Mass. « C’est un peu hardcore parfois car ça ne laisse pas beaucoup de place pour le sommeil et surtout, ça éloigne beaucoup des amis, de la famille. Il faut donc rester vigilant et ne pas perdre de vue l’ensemble de ses priorités. Mais franchement, tous les métiers ont leurs contraintes et ce serait assez malvenu de se plaindre lorsqu’on a la chance de vivre de sa passion.

En revanche, je n’ai plus aucune disponibilité pour apprendre à lire le solfège, ce qui pourrait parfois être utile avec certains instruments. Mais je compense autrement car un studio d’enregistrement ce sont aussi de la technologie, des ordinateurs, des milliers de possibilités pour rendre une voix plus juste et réunir des notes. De la tricherie utile! » lance t’ il comme une boutade.

« En tant que guitariste, on pourrait penser que je porte un soin particulier aux cordes… Je crois pouvoir dire que je veille avec la même attention sur chacun (tout en étant très cool car un enregistrement qui baigne dans le stress, c’est contreproductif et loin de moi) mais j’ai une passion toute particulière pour la batterie. Je ne sais pas si c’est parce que j’en ai joué étant gamin, parce que beaucoup de musiciens que j’adore sont des batteurs, en tout cas c’est resté un instrument que j’affectionne. La multiplicité des micros, les pistes, la batterie est une équation à pleins d’inconnues qu’il faut savoir appréhender car elle est majeure, raison pour laquelle c’est généralement par elle que je commence les sessions.»

Quand certains peinent à creuser leurs sillons, Fred Duquesne bénéficie d’un bouche à oreille qui remplit longtemps à l’avance son carnet de commandes. Les musiciens apprécient aussi d’avoir à faire à l’un des leurs et pas à un simple « preneur de son ». Dans le studio de Fred Duquesne, tout respire la convivialité. Les banquettes posées pas loin des consoles qui créent une ambiance « comme à la maison », le coin détente qui autorise les fous rires entre potes. Pas de vitre pour séparer du chanteur. Fred Duquesne aime que tout se passe à proximité, sans interface, les voix comme les guitares.

En moyenne, un enregistrement représente six à sept semaines de studio. Au delà, sauf exceptions, c’est signe de problèmes ou de changement radical de route. « C’est tout de même assez rare. Les groupes arrivent la plupart du temps en connaissant leurs morceaux, une préparation a eu lieu en amont qui permet de rentrer dans ces délais. C’est mieux pour tout le monde, pour eux aussi qui restent alors dans les coûts de réalisation prévus, ce qui n’est pas un détail. »

A la fin de l’année, Matière Noire aura laissé place à son successeur, neuvième du nom. (Deux seules sorties ont été inscrites à l’agenda de Mass Hysteria, le Mondial du Tatouage le 9 Mars à la Villette (Paris) et le Download à Brétigny sur Orge, le 17 juin.) Pas de quoi mettre la pression sur les épaules de son producteur malgré l’ énorme attente de leurs milliers de fans. « Ce n’est pas comme si je produisais Mass pour la première fois. Je sais parfaitement ce que le groupe attend, où Yann veut aller. Etre désormais membre du groupe ne change rien lorsque j’enregistre. Ma vision est celle du producteur et certainement pas celle du guitariste même si je peux mieux anticiper ce que deviendront certains morceaux en live. C’est de la schizophrénie très contrôlée! Une autre forme d’adrénaline, différente de celle de la scène. »

Heureux des albums qu’il a produits et des rencontres qui ont jalonnés son parcours, Fred Duquesne n’a pas l’obsession de la nouveauté. Les Foo Fighters, Deftones restent parmi ses groupes fétiches même s’il reconnait avoir succombé aux sons de Bring Me The Horizon ou de While She Sleeps. « Je ne sais pas si c’est l’ âge ou si le manque de temps me fait parfois vivre comme un ours reclus dans sa tanière mais j’ai du mal à suivre tous ces jeunes groupes qui débarquent et qui parfois se la jouent alors qu’ils n’ont sorti qu’un album et ont encore tout à prouver. Il faut savoir rester modeste dans ces métiers car tout peut s’arrêter du jour au lendemain. Globalement, je peux dire que je suis assez fier de ce que j’ai produit mais il y a encore de nombreux sentiers à expérimenter. J’aimerais beaucoup produire Gojira par exemple. C’est incontestablement le premier groupe de metal français, ultra plébiscité un peu partout dans le monde. Je sais cependant que les frères Duplantier ont leur propre studio à New York et que cela ne se fera donc jamais. Ce n’est pas grave… Tant que je pourrai matériellement et physiquement continuer mon rêve, je serai heureux. Alors pourvu que ça dure ! »

Magali MICHEL.

Crédit photos // Sophie BRANDET.

 – Un remerciement spécial à Fred Duquesne pour sa disponibilité et aux musiciens de No One Is Innocent pour avoir accepté cette intrusion pendant l’enregistrement de leur nouvel album – 

LOUIS ARLETTE: La dérive des sentiments

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Ne pas se fier à son nom un peu rétro! Louis Arlette est sans doute l’un des artistes les plus modernes, les plus innovants de la scène française. Derrière le cheveux coupés au ras du bol, le jeune homme ne cesse d’inventer, créer, livrer des sonorités, une musique qui n’a encore jamais été imaginée. Tout plutôt que copier recoller et donner à des partitions des airs de déjà entendus. Les paroles sont à bon auteur et foncent dans le tas de l’âme. Louis Arlette a sorti en octobre un premier EP, « A notre gloire ». L’album suivra en février. « Sourire carnivore » est attendu avec impatience.

Il n’y a rien de banal ni de convenu chez ce trentenaire : une attraction pour le noir (des cheveux aux tatouages, des tenues vestimentaires aux paroles percutant souvent les tréfonds de la gravité) qui pourrait autoriser le cliché mais rien de gothique du côté de Louis Arlette. Rien de classique non plus même si son parcours de musicien aussi complet que doué aurait pu lui faire fouler d’autres arpèges. « J’ai eu très jeune une espèce de fascination pour les instruments, je ne sais pas vraiment pourquoi d’ailleurs mais je me souviens que tous m’attiraient. J’ai appris le violon au conservatoire puis adolescent, j’ai commencé à travailler en orchestre. Mais la révélation s’est faite quand j’ai vu Didier Lockwood sur scène. Ce grand musicien de jazz était totalement libre grâce à son violon électrique alors je me suis dit qu’un jour, j’aurais le même. C’est incroyable ce que ça apporte d’aisance nouvelle, d’amplitude, de jeu différent avec des échos que je ne soupçonnais pas, des réverbérations impossibles à obtenir sur un violon classique. En fait, j’avais enfin un instrument qui sonnait comme une guitare électrique et ma fascination s’est encore accrue », lance Louis Arlette en riant à l’évocation de ces souvenirs.

Histoire de creuser encore le sillon, le musicien poursuit son apprentissage côté studios d’enregistrement. Les consoles, les synthétiseurs, il veut tout connaître, avec l’espoir clairement  affiché de pouvoir les utiliser un jour. Il se confronte aussi au chant, travaille sa voix constamment et n’a pas peur de pratiquer le grand écart, se revendiquant chanteur français puisque ne voyant pas de meilleur bagage pour transporter ses idées mais affichant son amour pour des groupes aussi variés qu’Indochine… Depeche Mode, The Cure ou Radiohead. S’ajoutent à çà une étude universitaire de la musicologie et un diplôme d’ingénieur du son. De quoi disposer du meilleur kit quand il s’est agi d’ouvrir son propre studio pour devenir réalisateur et producteur, sans pour autant perdre de vue ses moments musicien et chanteur. Toujours cette envie de tout maîtriser, de  tout contrôler, savoir de quoi et comment on parle. « La musique, ce ne sont pas que des notes et de l’émotion, c’est aussi de la technique, des instruments, du feeling… un art aussi complet que complexe! Réussir à tisser le lien avec les musiciens, créer de l’intimité est facilité par cette présence à chaque étape (…) Je suis persuadé qu’être musicien est un socle nécessaire quand tu réalises l’album d’un autre. Tu comprends mieux leurs envies, les échanges sont plus passionnés mais aussi plus efficaces. Il y a une sorte d’enrichissement mutuel dans ces rencontres. Ma vie est faite entièrement de tout cela, c’est son ADN et son équilibre. Je ne referme jamais la porte pour laisser place à un autre plus éloigné de la musique. Ma vie professionnelle est ma vie toute entière.»

Repéré par les musiciens du groupe Air alors qu’il n’était encore qu’apprenti ingénieur du son, Louis Arlette les a ensuite accompagnés durant plusieurs années. Sur l’album « Love 2 », il a assisté Nicolas Godin et Jean-Benoit Dunckel avant de mixer et enregistré « Le voyage dans la lune » ainsi que « Contrepoint », le premier album solo de Nicolas Godin. Il y a pires pour débuter dans le métier. L’homme fasciné par les consoles avait de quoi renforcer sa passion. « Les machines ne sont pas des appareils pleins de froideurs, ce sont au contraire des prolongateurs d’envies, une façon d’exprimer ses idées, des alliées précieuses pour mixer les univers, glisser de l’électro dans l’acoustique par exemple. Comme un supplément amélioré de nous! »

Après toutes ces expériences, le temps était venu pour Louis Arlette de sauter le pas, franchir les doutes qui l’empêchaient de livrer ses propres chansons. Malgré une forme d’inhibition accrue par la conviction qu’aider les autres à s’exprimer n’a vraiment rien à voir avec s’exprimer soi même. Malgré cette différence jugée abyssale… et pourtant la fluidité a été au rendez-vous. Des textes majestueux ont vu le jour, le fruit peut être d’un parcours littéraire dense, avec des références comme Balzac, Flaubert, Aragon ou Proust dont il assure du génie. Mieux vaut ne pas tenter la joute verbale passionnée, elle est perdue d’avance, Louis Arlette assume qu’il pourrait parfaitement ne rien lire d’autre jusqu’à la fin de sa vie. Les madeleines sont cuites! Et l’artiste lui rend finalement un magnifique hommage en suscitant des réflexions sur la société et ses dérives, l’amour, la mort, sur tout ce que l’on a de vrai, de grave, au plus profond de soi. C’est si fort que l’on se prendrait à rêver d’un recueil permettant de lire et relire ces mots dans la profondeur de leur nudité, agrémentés de quelques dessins que ce touche à touche au talent décidément polymorphe aurait imaginés.

« Mon premier EP en 2016 s’est fait en deux semaines, ce qui fut assez sportif. Il parlait de la mort, de la colère notamment. Celui là m’a pris un an et est plus engagé qu’il s’agisse de la politique ou de l’éthique, la société devient si égoïste en ce temps de selfies. J’ai envie que les chansons ne soient pas que des choses murmurées mais qu’elles donnent aussi l’occasion de réfléchir (…) Ajouter la musique n’a pas toujours été simple, il y a des moments où l’on s’acharne trop sans doute, où à force de recherches ou de doutes on peut tuer un morceau. or, je suis convaincu que c’est le morceau qui décide. On a une vague idée puis à un moment l’étincelle se produit. »

Après une année derrière son clavier, Louis Arlette a eu envie de rompre la solitude et de retrouver des musiciens pour « A notre gloire ». « Je voulais réussir à porter du contraste, des compromis. Je ne voulais pas manquer ce morceau engagé venu après les attentats du Bataclan. L’ énergie devait s’imposer et elle est venue assez vite. En revanche avec « Le Naufrage », j’ai connu de vrais moments perturbants. J’aimais ce morceau mais le rythme était si lent qu’il en était déprimant. Et puis un jour, j’ai décidé d’accélérer le tempo et le titre a pris la bonne direction, la partition enjouée accentuant paradoxalement le thème qui est quand même assez triste. La musique est l’écrin du texte alors mieux vaut ne pas se rater. »

Le 9 Février, les dés seront lancés et « Sourire Carnivore » sera révélé. Cinq jours plus tard, le 14 (la fête des amoureux, ça pourrait donc être de bonne augure côté sentiments), Louis Arlette et ses musiciens s’installeront à la Boule Noire à Paris pour le premier concert de cette nouvelle aventure. « Jouer en live dans un studio permet de douter, de chercher des tonalités. La scène exige une précision et d’autres arrangements. Nous serons quatre,  je pense que c’est la forme idéale, celle qui me correspond le mieux aujourd’hui en tout cas. Je suis impatient de ces rendez-vous, je ressens une certaine fébrilité aussi car je n’ai pas envie de décevoir, c’est comme un examen que l’on souhaiterait réussir. » L’ ’intranquillité de Louis Arlette n’est pas prête à s’estomper mais cet homme-orchestre de grand talent, qui aimerait entendre dire qu’il « fait de la chanson française tripante et affranchie des carcans poussiéreux », devrait résonner longtemps après cette double croche sur le calendrier.

Magali MICHEL.

– https://www.facebook.com/louisarlettemusic/ –

RENCONTRE: Pomme, croqueuse de chansons très inspirées

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Elle n’est pas très grande mais ça n’autorise pas la facilité littéraire qui la jugerait « haute comme trois pommes ». Ne pensez pas davantage que sa jeunesse rimerait avec des refrains « pomme d’api ». Bref, on évacue tout de suite les images fleurant bon la candeur gentillette, si Claire Pommet dite Pomme a décidé de conserver son surnom pour tenter l’aventure musicale, elle a déjà tout d’une grande. Il lui suffit de trois notes et quelques accords pour que le public se laisse prendre par sa voix cristalline et ses refrains incisifs. Portrait d’une enfant terrible sérieusement douée.

« Salut, ça va ? On ne va peut-être pas se mettre dans la loge parce que j’ai chanté hier soir dans une bergerie et les organisateurs m’ ont offert plein de fromages. On peut plaisanter, il n’empêche que c’était une très jolie soirée et le public était vraiment dans l’écoute. » Des premiers mots qui résument d’entrée de jeu la personnalité de Pomme, jeune auteur-compositrice-interprète de la région lyonnaise qui depuis deux ans trace sa route et emporte un public de plus en plus large derrière elle. En comité restreint ou comme ce soir devant une salle pleine à craquer venue applaudir Asaf Avidan, elle joue vrai et donne avec la même intensité. Sans faux-semblants.

Assise par terre, le dos calé contre les banquettes jouxtant les loges de Stéréolux, sans une once de maquillage, la boucle plus courte depuis quelques semaines, la jeune femme n’a pas besoin de revendiquer son authenticité. Elle ne triche pas et cela se voit. Et paradoxalement, c’est sans doute cette vérité qui lui permet d’être aussi à l’aise avec le second degré ou l’ ironie jalonnant ces refrains, en décalage complet avec ses vidéos qu’elle distille sur internet et qui la mettent en scène dans des robes champêtres, cornets de fleurs à la main ou pédalant à travers une campagne estivale. Le décalage entre l’image et les mots rend le message encore plus fort. La candeur n’est que de surface.

« Le décalage, c’est un peu l’histoire de ma vie. Je ne suis pas timide, j’ai très vite compris que la musique, chanter, écrire seraient ma voie alors je me suis présentée dans des bars à Lyon et j’ai eu la chance d’être acceptée pour y donner mes premiers concerts. Le bruit, les gens qui circulent, cela ne me dérangeait pas trop, je savais que je faisais mon apprentissage et je me sentais hyper chanceuse de pouvoir me faire entendre. Mais du coup, forcément que lorsque je retrouvais mes potes de lycée, on n’avait pas les mêmes anecdotes à partager. Puis je suis partie à Paris et le fossé s’est creusé encore. Enchaîner les concerts, tenter de vivre de la musique ont été des accélérateurs de vie alors que mes amis étaient encore en pleins doutes sur leur avenir, sur leurs envies futures. Ils me reprochent parfois de ne plus avoir le temps pour de grosses fêtes mais je ne suis pas la convive idéale, je ne fume pas, je ne bois pas… Je ne suis pas inquiète, je sais que d’ici deux ou trois ans, quand eux aussi auront mis le pied à l’étrier de la vie professionnelle, ils comprendront que l’on ne fait pas toujours ce que l’ on veut de son emploi du temps. »

Elle aura vingt-deux ans l’année prochaine et on reste assez bluffé par tant de maturité et de sagesse. « Grandir, c’est décevoir un peu », chante Pomme. Pas franchement le bilan à tirer de ce parcours fortissimo. Après les bars, Pomme est passé par les Chantiers des Francos puis en 2016, elle signait chez Polydor. A son premier EP, « En Cavale » vient tout juste de succéder « A peu près », un album magnifique, treize titres d’où s’envolent la désillusion, l’amertume, un parfum sérieusement désenchanté.

« Vingt ans, c’est jeune mais quand on a connu cette vie accélérée, on a aussi eu le temps d’accumuler des émotions qui ne sont pas forcément celles de son âge. Et puis, il y a une part laissée à l’imaginaire, à la littérature. Je ne suis absolument pas quelqu’un de triste au quotidien mais je suis encore dans cette tranche d’âge où le cafard peut être entretenu avec complaisance. Pour quelqu’un qui écrit ses textes, c’est un état très productif celui de cette mélancolie sans cause réelle. Baudelaire a sublimé le spleen avec les Fleurs du Mal. C’est vraiment inspirant pour moi en tous cas. Mais j’aime aussi rire, il ne faut pas croire, » lance t’elle dans un énorme sourire.

Le public qui a eu l’occasion de l’entendre dans ses propres concerts ou alors qu’elle assurait les premières parties de Vianney, Coeur de Pirate, Benjamin Biolay, Angus et Julia Stone, soit plus d’une centaine de dates déjà, s’est vite laissé séduire par la voix cristalline de la jeune femme, aussi à l’aise dans les aigus que dans les plus graves. De quoi porter haut les histoires d’adultère, les amours déçues. La mort est également présente à travers une chanson qui frappe comme un uppercut. Dans « De là-haut », Pomme raconte son enterrement, sans excès ni pathos, sans dramaturgie poussive et c’est juste magnifique. Mention spéciale également à « La Lavande ». Mais on peut rire aussi avec « Pauline », le genre de fille que toutes les filles ont forcément croisé. On n’en dira pas davantage.

« J’adore le folk, la country, j’ai une profonde admiration pour Joan Baez, Linda Ronsdaat, ce sont des femmes qui m’inspirent. J’aime aussi la chanson française, de Léo Ferré à Camélia Jordana avec une mention toute particulière pour Barbara. J’ai réalisé tout à l’heure d’ailleurs que Nantes était sa ville, c’est émouvant… »

« J’écris beaucoup de textes et je compose énormément, à la guitare même si je joue aussi du violoncelle et de l’auto-harpe, instrument un peu étrange, qui a quelque chose d’ « elfique », né en Allemagne et très prisé aux Etats-Unis dans les années soixante-dix, » poursuit Pomme. « Sur ce premier album, réalisé par deux amis, Benjamin Waxx Hekimian et Matthieu Joly, je ne suis pas à l’origine de tous les textes. On m’a proposé des histoires, j’ai rencontré leurs auteurs et au final, leur regard sur moi a été assez éclairant. C’était une vision de moi-même nouvelle. Mais je pense que le prochain album sera entièrement composé de titres que j’aurai écrit car malgré tout, je suis la plus à même de porter ce que je ressens ou ai envie de partager. »

Et partager, elle sait faire. Sans esbroufe ni artifice. Comme elle. Une balance rondement menée, une courte pause et la voilà qui débarque seule sur la grande scène mise en place pour Asaf Avidan, qui l’a choisie pour assurer toutes les premières parties de sa tournée française. « Salut! Ca va ? Je m’appelle Pomme… » Six titres plus tard, le public l’accompagnait dans un a capella impressionnant.

Pour tous ceux qui n’auraient pas eu la chance de voir cette artiste, assurément l’une des grandes représentantes de la chanson française dans un avenir tout proche, Pomme repassera bientôt à Nantes, toujours à Stéréolux, en co-plateau avec Juliette Armanet (le 1er Décembre) puis elle filera  en Estonie, où un Festival l’a déjà programmé. Elle passera sans doute aussi par le Québec, une terre qu’elle affectionne particulièrement. Mais elle ne rêve pas pour autant de partir à la conquête de l’Amérique. La Norvège, l’ Italie, tous les coins d’Europe qu’elle ne connait pas encore sont autant d’envies pour s’y produire. « Je ne sais pas de quoi demain sera fait. Je ne rêve pas de Zénith bondés. J’ai juste envie de continuer à balader mes chansons pour les partager. M’inscrire dans la durée, je crois que mon rêve est là » Il y a des rêves bien plus improbables…

Magali MICHEL.

Crédit Photos // Sophie BRANDET.

FRANÇOIS MAIGRET, PORTRAIT D’UN GUITARISTE SURDOUÉ

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Il est sans doute l’un des meilleurs guitaristes de sa génération. Mais il a très vite montré que la composition, le dessin, la réalisation, l’enseignement, le chant étaient aussi dans ses cordes. Alors que s’achève le « Propaganda Tour » avec No One is Innocent, François Maigret (alias Shanka) s’apprête à traverser les Etats Unis avec Greg Jacks, son complice de The Dukes, pour le « Vans Warped Tour » et défendre la sortie Outre Atlantique de « Smoke Against the Beat », le dernier opus en date de ce duo rock génialissime. Le(s) talent(s), l’humilité et la passion pour passeport.

Ne lui dites pas que sont assez rares ceux qui touchent à autant de domaines avec pareil talent! Il vous répondra que les gens n’essaient pas alors qu’il suffit d’oser pour constater qu’il n’y a vraiment rien d’impossible. Et le pire, c’est qu’il en semble convaincu. Pas une once de gloriole, encore moins une trace de « melon » ou d’un quelconque signe d’ego démultiplié chez ce trentenaire surdoué. François Maigret (Shanka) a l’humour en garde fou et ne se laissera jamais prendre dans les méandres de certains délires d’artiste. Avec un parcours comme le sien, certains s’y seraient pourtant égarés.

A 14 ans, après quelques années de piano bien trop classique pour déclencher sa passion, François Maigret découvre grâce à son frère de dix ans son aîné, Depêche Mode, ACDC, Dire Straits. Il se met à la guitare et se rêve une vie à la Angus Young. Quitte à rêver, autant rêver grand ! « Le blues aussi me parlait, il est toujours une source d’influence d’ailleurs mais Scorpions avait été mon premier concert à Amnéville et puis je m’étais pris une grosse claque avec ACDC à Nancy. En matière de rock, ça laisse forcément des traces. » Il continue de saigner sur ses six cordes et à 19 ans, remporte le concours national des guitaristes Ibanez. Il se laisse emporter par l’idée qu’il avait peut être sa place dans ce milieu à l’apparence pourtant très verrouillé, quitte sa Lorraine natale et ses études supérieures pour Paris et pige pour la rédaction de « Guitar Part ».

« Avec le recul, je m’aperçois combien cette période a été incroyablement dense et drôle. On bossait comme des malades (j’avais en parallèle « Lycosia », un groupe de rock), et je devais tous les mois me filmer en train d’expliquer un morceau. Autant faire les DVD était assez peu fun et faisait exploser les horaires, autant préparer la pédagogie, se demander comment elle allait être reçue par des milliers de personnes étaient passionnants. On se marrait vraiment beaucoup à le faire et à titre personnel, j’en ai retiré une exigence qui me suit aujourd’hui. Et puis malheureusement, les problèmes de droits ont été modifiés au point de devenir financièrement prohibitifs pour le magazine. La méthode vidéo « Les Leçons de Bob Wacker », (une méthode de guitare en deux volumes publiée avec Jean-Jacques Rebillard, l’un des fondateurs de Guitar Part), DVD d’or en 2005, bouclera la boucle en ce qui me concerne. Ce qui est assez incroyable après toutes ces années, c’est que les gens m’en reparlent encore régulièrement aujourd’hui. Je suis resté leur Professeur Relou! Mais je n’avais pas envie d’être enfermé dans cette image d’enseignant. J’ai animé quelques Master class dans les années qui ont suivi puis le manque de temps a entraîné un décrochage assez naturel. Je ne conserve que des souvenirs géniaux et de beaux délires de cette période. »

Après une tournée et un album avec Lycosia, François Maigret rencontre en effet les membres de No One is Innocent qui sont en recherche d’un nouveau guitariste. La pression est énorme pour celui qui devient le plus jeune de la bande mais comme toujours, le défi est relevé haut la main. « Je les avais vus aux Eurockéennes en 1997 et j’avais adoré. Je vous laisse imaginer ce que j’ai pu ressentir quand on y est revenu et que cette fois, j’étais sur scène avec eux. Participer à l’enregistrement du troisième album, « Révolution . com »  est resté lui aussi un moment assez fort. Autant en live, je me déchaine, je saute, je bondis et suis dans une énergie qui pourrait me faire oublier la fosse toute proche (surtout si on joue sans fil!) , autant le studio est un temps construit, carré. Ce n’est pas besogneux pour autant mais c’est clairement beaucoup moins pousseur d’adrénaline, il faut être honnête. » Trois albums et le succès impressionnant de « Propaganda », le dernier en date, et de sa tournée à guichets fermés plus tard, François Maigret n’a rien perdu de sa niaque. Il n’a même peut être jamais été aussi passionné, enthousiaste et prolixe. L’effet The Dukes sans doute aussi.

En 2004, le musicien a rencontré Greg Jacks, batteur impressionnant (Un temps celui de No One is Innocent et de Superbus, entre autres), avec lequel le courant s’établit immédiatement. « Très vite nait l’idée d’un projet qui serait possiblement le plus fou mais le plus fort de notre vie. On ne s’est pas embarrassé de questions, on a foncé et sorti « Victory », un LP de treize titres composé en six mois et enregistré en moins de deux semaines, porteur d’une identité rock très forte. Les gens ne s’attendaient pas à cet espèce d’OVNI peut être. Les retours ont été ultra positifs et forcément, ça nous a convaincu de poursuivre. A deux, quand on a la chance de fonctionner aussi bien, tant sur le plan artistique que sur le plan humain, tout s’enchaine avec facilité. Nous avons des goûts et des styles de vie très différents mais nous sommes complémentaires. Il n’y a pas de palabres inutiles, les échanges sont positifs et nous tirons dans le même sens. Résultat, malgré des centaines d’écoutes, nous restons tous les deux super heureux de notre second album, « Smoke Against the Beat « . « Just in Case », « Daisy’s Eyes » ou bien encore « Black Hole Love » notamment nous éclatent toujours sur scène. »

Après avoir assuré quelques jolies premières parties (de Shaka Ponk notamment) et sillonné dans pas mal de festivals, le duo s’est mis en repli le temps de composer un nouvel album. Plusieurs titres étaient bouclés lorsque les évènements se sont enchaînés. « On a eu l’occasion d’effectuer à l’automne dernier une petite tournée dans des clubs à travers les Etats-Unis, où vit Greg, qui est marié à une américaine. Le bouche à oreille a super fonctionné et les contacts se sont multipliés. Nous avons aussi rencontré Val Garay, le multi récompensé producteur et ingénieur du son (sept Grammy, des disques pour Kim Carnes, Dolly Parton, Neil Diamond, Linda Ronstadt, James Taylor, entre autres). Ce fut un moment assez improbable, la rencontre de deux petits franchies qui débarquent comme ça sans prévenir chez ce grand monsieur de la musique Outre Atlantique, le courant qui passe immédiatement et Val Garay qui décide d’embarquer dans l’aventure et de produire plusieurs titres. On a donc enregistré des morceaux. C’était ultra léché, superbement produit… Mais ce n’était pas la direction que nous souhaitions prendre. Trop pop, pas assez rock, ce qui est assez logique au final car Val n’écoute pas ce son là, ne l’a jamais produit. Ce n’est pas son territoire. Et moi, je suis trop punk, j’ai un rapport trop animal avec la musique pour aller vers la pop. Alors l’amitié et notre respect pour cette grande personnalité demeurent, c’est incontournable. Mais l’album prendra la direction rock qui nous vibrer. »

Le hasard étant parfois providentiel, François Maigret et Greg Jacks, qui avaient entrainé depuis le début de leur sillage américain, une équipe passionnée (dont un super ingé son) s’attache alors les services d’un manager qui n’a rien du bizuth de l’année puisqu’il a bossé pour les Gun N’ Roses et Alice in Chains. Autant dire que le rock, il sait à peu près comment ça sonne et quelles peuvent être ses exigences!

C’est fort de toutes ces présences que The Dukes va entamer le célèbre « Vans Warped Tour » (l’un des plus célèbres festivals itinérants entre Etats Unis et Canada, organisé de juin à août chaque année) , qu’une seule formation hexagonale avait intégré précédemment. De quoi intensifier la dynamique sur place avant que sorte à la fin juin « Smoke Against The Beat », accompagnée d’une grosse campagne de promotion presse et radio. Suivront d’autres dates à l’automne à travers l’Europe avec Smoki, en fer de lance.

Smoki? On pourrait presque dire le troisième personnage du duo, une figure que François Maigret, qui n’est plus à un talent prêt, a imaginé et dessiné. « Je n’avais pas envie de confier l’artwork de l’album à un autre, je voulais que ça reste très personnel. Smoki est apparu avec les premiers dessins du clip de « Grey People » et puis tout a découlé avec naturel. On l’a trouvé sympa ce personnage, le public aussi qui nous a assimilé à lui alors on l’a décliné de pleins de façons différentes…  Aujourd’hui, il est clair qu’ il ne peut plus perdre sa place. Comme quoi, oser est la base de tout puisque je ne suis clairement pas dessinateur. Je ne suis pas davantage réalisateur mais faire un clip avec un iphone méritait d’être tenté. Si le résultat est bon, tant mieux. Si cela ne marche pas, on aura tenté et appris. C’est l’envie qui fait la différence. Rien d’autre!»

Quand on demande à François Maigret ce qui définit pour lui un bon guitariste, il répond «celui qui a un niveau de jeu suffisant pour faire ce qu’il a envie de faire, celui qui peut passer outre la technique, une fois qu’elle est bien en place, pour exprimer ce qu’il ressent et permet la bonne adéquation entre le niveau de jeu et le projet. La main gauche a le toucher et la main droite, qui attaque les cordes, est aussi celle de la personnalité, celle qui fait la différence.»

Sa différence, il y a bien longtemps que ses admirateurs l’ont notée, n’en déplaise à son humilité naturelle. François Maigret (qui joue aussi avec France de Griessen, l’artiste folk-rock dont le prochain album, enregistré aux Etats Unis, sortira l’an prochain) s’envole dans les prochains jours pour installer The Dukes sur les rails de sa destinée internationale. Avec l’audace et l’envie de ceux qui ne semblent même pas avoir la pleine mesure de leurs talents. Libre. Bluffant.

Magali MICHEL.

Crédit photos // Sophie BRANDET.

« Panzer Surprise » : Ultra Vomit collectionne les standards !

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Ça a des allures de pyjama party à la pépère, col chemise, rayures et boutonnage, voire même robe de chambre pour certain, malgré la chaleur étouffante qui règne dans le Ferrailleur. Pour les 10 ans de la salle nantaise, les quatre énergumènes d’ Ultra Vomit avaient promis « un show spécial très spécial », ils l’ont fait! Après un récent passage par Stéréolux et un Alhambra sold out, la date pouvait avoir des allures de show case, ils ont pourtant joué le jeu à fond. Un anniversaire quelques jours après la sortie de leur nouvel album, la fête ne pouvait qu’être belle. A la hauteur de ce « Panzer Surprise » magnifiquement produit.

Pour ceux qui ne les connaissent pas encore, gaffe à ne pas tomber dans le piège : Fetus, Manard, Flockos et Matthieu Bausson sont d’incontestables rois de la vanne, prêts à migrer vers un look capillaire de premier communiant (on y croit !) pour une parodie encore plus délirante mais ce sont avant tout des musiciens top niveau. Et c’est cette incroyable alliance de riffs bien envoyés et de paroles quinzième degré qui crée l’ alchimie et met tout le monde d’accord. Neuf ans après «Objectif Thunes» qui avait véritablement entériné leur personnalité, Ultra Vomit frappe plus fort encore avec un nouvel opus où les parodies, ADN du groupe, sont encore plus abouties.

« Ce n’était pourtant pas gagné », raconte Manard, le batteur. « On était tellement heureux des retours d’ « Objectif Thunes », la tournée avait été si belle qu’ on ne voyait pas trop comment enchaîner sans risquer le « moins bien ». Les gens nous attendaient au tournant alors on a préféré se donner du temps. Les mois ont filé, je suis parti quatre ans à Montpellier, Nicolas jouait avec Andreas, et puis Rage Tour, notre tourneur, nous a dit avoir encore des demandes de dates. On en a fait une dizaine, Matthieu est arrivé à la place de notre ancien bassiste, parti rejoindre Black Bomb A et tous ces évènements nous ont redonné un coup de fouet. On a repris notre  cahier à idées, de nouvelles vannes ont fusé, des envies de les jouer « à la façon de… » ont suivi et « Panzer surprise » s’est mis sur les rails. Avec le recul, je pense que ce temps de maturation était nécessaire.»

Le producteur du précédent album pris par d’autres projets, c’est vers Fred Duquesne que les nantais se sont tournés pour enregistrer « Un pote nous a dit, « Fred, c’est le meilleur ! » Du coup, on a foncé. On savait son niveau de jeu avec des groupes comme Watcha ou Mass Hysteria, c’est un putain de guitariste. On savait aussi ce qui sortait de son studio, la puissance qu’il pouvait donner à un morceau… et on n’a pas été déçu. Fred a sa formule, cette expérience qui lui permet de savoir exactement où il va. Du coup, on a eu le son recherché. Son savoir faire était une sécurité. On a bien eu quelques débats mais c’est toujours le mieux qui l’a emporté. Et puis c’est un mec généreux. Il a vu que nos chansons pouvaient ne faire qu’une grosse minute, le degré d’exigence était identique à un titre cinq fois plus long. Alors il nous a rajouté des journées supplémentaires dans son studio et on a eu cet album qui nous rend vachement heureux. »

Il aura suffi de quelques jours pour que certains titres se fassent déjà connaitre. Comme « Calojira » (génialissime « Face à la Mer » de Calogero revisité par Gojira), « Kammthaar » (où Fetus, imitateur décidément très doué, ferait pâlir d’envie le timbre de Till Lindemann, le leader de Rammstein) ou «Evier Metal», sorte d’Iron Maiden vantant des instants purement domestiques. « Je suis le petit père metal du groupe », poursuit Manard. « Je voulais reprendre Gojira depuis le début. Même chose pour nos amis allemands mais Lindemann a un organe… euh, comment dire.. un bel organe alors il ne fallait pas se louper. Fétus imitant avec une facilité déconcertante tous ceux qu’il croise, on s’est dit qu’il pouvait le tenter. C’est tellement réussi qu’on regretterait presque de ne pas y avoir pensé plus tôt. Le clip est tourné. Sortie officielle le 31 Mai. »

«  Pour « Evier Metal », l’histoire est à épisodes. Je jouais dans un groupe de heavy avec Andreas (l’autre complice de Nicolas). Sur un pupitre, il y avait des paroles du genre « In the middle of the night ». On a déliré autour en y ajoutant des suites. On a posé ça sur notre fameux cahier. Et puis un jour, alors que nous cherchions des paroles en français, on est retombé dessus, on a traduit, balancé des idées et en une nuit, la chanson était là. La parodie aussi. Ce titre nous a bien fait marrer.»

Si l’humour est la base même de ces maîtres du metal parodique, il existe malgré tout des limites que les musiciens ne franchiront pas. Trop de bouteille pour tomber de le piège de la facilité provoquant le mauvais coup  de buzz. « On avait un morceau qui devait s’appeler « Je suis PD ». Ce n’était évidemment pas un jugement, juste l’histoire d’un type qui faisait son coming out, un morceau à la « Canards ». Mais on n’a pas voulu que ce titre focalise toutes les attentions et que les gens, les critiques notamment, y voient un truc sulfureux même s’il ne l’était pas. Alors on a préféré renoncer. Notre seule auto-censure véritable comme vous pouvez le constater en écoutant l’album. »

Impossible de citer tous les morceaux (il y en a 22) mais dans une set list toute personnelle, il serait impossible de ne pas ajouter à ceux précités « Takoyaki » couleur Baby Metal, « Un Chien Géant » en mode Tagada Jones, « Jésus » (qui devrait rester dans les mémoires du Hellfest où le groupe se produira sur la Main Stage le 17 juin prochain) ou bien encore « Super Sexe ».

Il y a dix-huit ans, lorsqu’ Ultra Vomit s’est lancé sous une identité qui signait déjà le parti pris, pas sûr que le groupe ait franchement été pris au sérieux, voué même pour certains puristes aux blagues les plus courtes. Avec ce nouvel album, les cordes de la dissonance ne se font plus entendre. Chacun s’accorde au contraire sur la technique impressionnante des nantais (les moments où ils laissent la part belle à la musique durant leurs concerts sont de beaux exercices de virtuosité) et leur réussite dans un genre peu fréquenté. La place laissée libre durant ces neuf années n’a pas été reprise. Preuve qu’il faut autre chose qu’une six cordes et des blagues carambar pour s’imposer dans le metal parodique. Le 10 octobre prochain, Ultra Vomit sera au Trianon. On ne sait pas si Calogero ou les frères Duplantier seront là. Mais les nantais, qui ne laissent rien au hasard, promettent que la fête sera belle. Avec ou sans pyjama.

Magali MICHEL.

Crédit photos // Sophie BRANDET.

– « Panzer Surprise » // Verycords : https://itunes.apple.com/fr/album/panzer-surprise et sur toutes les plateformes légales de téléchargements. –

DAVID BAN ALPAGUE SON PREMIER ALBUM

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Ce week-end, son Porthos faisait escale trois jours à Nantes. Quatre représentations des « Trois Mousquetaires » dont deux concerts bourrés de technologie et de caméras pour cause d’enregistrement du DVD. La nuit avait été quasi blanche mais David Ban ne se dépare ni de son sourire, ni de sa disponibilité. Heureux de ce rôle à succès. Impatient à l’idée de voir enfin se rapprocher la sortie de son premier album. 

Evidemment, tout le monde attendait Olivier Dion, sa pointe d’accent québecquois, son corps sculpté à la faveur des portés bien élevés de « Danse avec les Stars », ou Damien Sargue, le brun ténébreux, superbe dans Roméo et Juliette comme dans les Forever Gentlemen, ou bien encore Brahim Zaibat et sa souplesse féline, ce sens de la danse qui ne rechigne devant aucune pirouette même la plus extrême… et c’est finalement lui qui sort son épée du lot. Un pour tous mais au final, cela pourrait bien être tous pour David Ban. Car le chanteur-comédien-musicien excelle dans « Les Trois Mousquetaires ». Un dixième spectacle musical qui permet enfin de le mettre en haut de l’affiche avec un rôle à la pleine démesure de ses multiples talents. Le 29 Juin, sortira son premier album. On serait presque tenté de dire… enfin !

« C’est vrai, plus de deux ans depuis la fin de ma campagne participative… Mais je fais tout moi-même et un disque, c’est une montagne de choses à réaliser. Je compose textes et musiques. Une fois  le studio trouvé et l’enregistrement bouclé, il faut penser à la couleur générale de l’album, à la pochette, au livret, à la distribution, la promotion etc… Artiste volontairement indépendant, j’ai une totale liberté artistique et je suis maître de mes choix, de mes textes, de mes musiques, mes arrangement mais également de mes visuels. On verra si les labels, les maisons de disques ou encore des tourneurs s’intéresseront, mais quoiqu’il en soit rien ne m’arrêtera. », souligne l’artiste. « Ce disque, « L’ Alpagueur », quand il sortira, je l’aurai pensé et créé de A à Z, avec tout de même le soutien musical et artistique d’une bande de potes fidèles et particulièrement doués comme Julien Lamassonne (guitare et voix), Emma Piettre (contrebasse et voix), Karoline Rose, avec laquelle je partage un duo (guitare et voix) ou bien encore mon vieux complice Nicolas Fageot (basse). Il sera multicolore, poétique, drôle, émouvant aussi parfois, sentimental mais surtout positif. Et je l’assumerai du 1er au 14ème titre.»

Des années que David Ban nourrit ce projet d’album. Des années que le public, avec lequel il a une relation très forte, de vrais échanges sans faux semblant, attend lui aussi. Devant l’hôtel où la troupe était logée, elles (car ce sont en majorité des femmes) attendant avec patience depuis au moins deux heures dans l’espoir d’une rencontre, le temps d’un selfie, d’une dédicace. David Ban n’est pas du genre à snober. Il a beau être un peu en retard sur le planning, il parle, écoute, sourit et enchaîne les clichés. Même scénario quelques secondes plus tard devant les grilles du Zénith. Une dizaine de fans campe depuis deux heures car le bus qui emporte danseurs et interprètes doit passer par là. Il descend et va à leur rencontre, pose avec le bout de chou qu’on lui met dans les bras.

« J’essaie dans la mesure du possible de prendre un maximum de temps avec les fans. Car je n’oublie pas qu’on a la chance d’être des artistes soutenus par un public qui vient et achète des places en nombre. Un sourire, une photo, une dédicace ça fait toujours plaisir. Lorsque je jouais Danton dans « 1789, les Amants de la Bastille », je sortais devant le Palais des Sports de Paris et je donnais des concerts sauvages avec les premiers titres de l’album à venir. Une manière différente de rencontrer les gens et de voir les morceaux qui accrochent, d’écouter les retours… Avec « Les Trois Mousquetaires », je ne peux pas. Le rôle est beaucoup plus dense, extrêmement physique et je n’aurais pas pu enchaîner les deux.»

Avec « Les Trois Mousquetaires », David Ban endosse effectivement un rôle de poids puisqu’il est l’un des quatre personnages principaux mais il a surtout enfin la possibilité de montrer toute l’ étendue de son talent. Véritable performer, sachant aussi bien chanter (et avec quel timbre ! une voix chaude et grave, parfaitement reconnaissable qui peut tout se permettre) que jouer la comédie ou encore jouer de la guitare en live dans le show, il a réussi à convaincre les metteurs en scène québecquois de le laisser poser sa patine sur son personnage. Porthos y a gagné en humour, en intensité de jeu. Pour le reste, il est peut être d’une courte avance l’ainé des Mousquetaires, il n’en est pas moins affuté, agile, la musculature séduisante qu’il aurait tort de laisser cachée sous la tunique. (On se demande d’ailleurs combien de temps encore il échappera au casting de « Danse avec les Stars ». Ses acolytes s’y sont tous illustrés. Il a le profil idéal. Il a aussi l’envie. TF1 si tous nous entends….)

« Après « 1789 », il y avait eu l’aventure « Flashdance » qui avait permis au public de me voir autrement. Avec Porthos, c’est encore un cran au dessus. J’avais peur avant de m’engager que ces quatre mecs fassent un peu boys band… Mais on est loin de tout ça et je suis hyper heureux des commentaires que m’envoient tous ceux qui me découvrent. Pour autant, c’est ma dixième comédie musicale après des spectacles aussi importants pour moi que « Sol en Cirque », « Grease », « Hair », « Avenue Q » et bien sûr mon Danton de « 1789 ». Difficile de trouver plus fort désormais que ce rôle de Porthos et cette aventure entamée voilà deux ans. On verra de quoi sera fait l’avenir mais j’avoue ne pas avoir l’envie d’enchainer une 11ème comédie musicale pour me concentrer d’avantage sur ma musique et mon travail de comédien. »

Au terme de la tournée (le 1er juillet à Nice), David Ban remisera donc son épée et aura quartier libre pour assurer la promotion de « L’Alpagueur » tout juste né. Plus qu’une release party, le concert du 29 juin au Zèbre de Belleville (Paris) dont il est producteur sera une vraie fête. Avec les copains, forcément (Nicolas Fageot, Julien Lamassonne, Emma Piettre, notamment ) mais aussi plein de surprises. Artiste prolixe, jamais à court d’imagination, David Ban s’enthousiasme en pensant aux opportunités offertes par ce lieu à l’ambiance un peu circacienne. Presque toutes les places ont déjà été vendues alors que presque six semaines séparent encore de ce rendez-vous. De quoi le rassurer et lui donner envie de voir naître une tournée. En solo. Rien que pour lui et forcément avec une autre souplesse que ces grosses productions auxquelles il est rodé. « J’ai envie de voir les gens quand je joue, de croiser des regards. J’aime ces petites salles qui existent un peu partout en France et qui permettent une autre écoute. C’est encore à construire mais c’est une envie très forte qui j’espère verra vite le jour. »

C’est effectivement dans des salles plus intimistes que les textes de « L’ Alpagueur » prendront toute leur dimension. Car les fidèles qui connaissent son personnage de clown au coeur tendre savent aussi qu’il est riche de plein d’autres facettes. « Différemment différent » est un pur bijou de sensibilité. « S’aimer », « Je n’oublierai jamais », « Hors saison », « Viens ma belle » que David Ban offre en écoute dans la confidentialité d’une loge du Zénith à quelques minutes d’entrée en scène résonnent longtemps après. La musique accroche, les paroles frappent, la production est ultra bien léchée… On s’enflamme sur le titre qui serait le premier extrait car il y a du tube en puissance et on se dit chanceux d’avoir le privilège de cette avant première. « J’ai attendu longtemps donc je ne suis plus à quelques semaines près mais avoir le disque en mains sera l’ aboutissement d’un long parcours. Je n’aurai alors plus qu’une envie: le partager et voir l’accueil que lui réserve le public. »

Début de réponse le 29 juin. Ce soir là, « L’ Alpagueur » sera livré sur les fonts musicaux, en intégralité, surprises et inédits en prime. Et David Ban sera sans doute assez ému. Comédien peut être (une activité qui l’occupe déjà beaucoup mais qu’il se verrait bien poursuivre sur une scène de théâtre et au cinéma, lui l’habitué des productions pour la télé) mais certainement pas tricheur, ce soir là, il sera en équilibre sur le fil des émotions, sans filet mais avec ses musiques, ses mots et ses potes pour balanciers. On parie que la salle sera trop petite ?

Magali MICHEL.

Crédit photos // Sophie BRANDET.

Crédit photo Live Alpagueur // André D. 

– Au «  Zèbre » de Belleville, Paris, le 29 Juin 2017. Réservations: www.billetweb.fr/david-ban-lalpagueur –  

– http://www.davidban.com –